Final Essay First Trimester

With this essay I would like to examine two different artistic strategies that could be considered queer. I'm very curious to find out what queer artistic strategies could look like opposed to works that merely depict queer content. In order to take a closer look I chose two texts that each examine a specific strategy. The first text is called Körper ohne Körper. Queeres Begehren als Methode (Bodies without bodies. Queer desire as method.) by Renate Lorenz and it engages with the work of Félix Gonzáles-Torres specifically with his work Untitled (Ross). The second text is Frauen sehen Frauen (women see women) by Elisabeth Bronfen and examines a subversive potential in the gaze on the female body. I hope to gain some ideas of how to queer things with images.

Strategy 1 Renate Lorenz describes the work of Félix Gonzáles-Torres (1957-1996) as quiet and minimalistic. It combines personal and political aspects and stimulates a reflection about love and loss. The artist himself was HIV positive and lost his partner Ross 1991 to AIDS. He doesn't address this topic directly but rather relates his work to minimal and concept art (also a reason his work survived during times of censorship). One of the works Félix Gonzáles-Torres exhibits after the death of his partner is called Untitled (Ross) and consists of small hard candy wrapped in shiny silver paper that are piled up in the corner of a gallery. The institution only acquires a certificate of the artist with the instruction to arrange the cany in a certain way and maintain its total weight by filling them up during the course of the exhibition. There is no political statement to be found. Nothing that places the work in the context of current debates about sexual identities, no norms are being challenged or altered and no discourses of bodies are being mentioned. So what makes this a queer work? According to Renate Lorenz the works of Félix Gonzáles-Torres are representations of bodies without bodies. These small pieces of hard candy don't have a fixed affiliation, they reflect queer subjectivities without depicting them. The title of the work Untitled (Ross) and the weight of the installation (which is about the weight of Ross) refer to a person: in this case to Ross Laycock, the deceased partner of the artist. The body is represented as a linguistic sign added to the visual. By thinking the visual together with text the artist picks up strategies of concept art. He doesn't use a visual signifier that points to an individual body or creates a resemblance to a person. Instead he breaks with the tradition of using a title that duplicates or explains the visual signifier. (Lorenz) Through this omission of visualizing Ross as another gay man or AIDS patient, the work doesn't allow the viewer to take on a voyeuristic position and scrutinize if the body of Ross shows signs of AIDS or if he looks desperate or at ease or if he is attractive or not. Félix Gonzáles-Torres doesn't refer to identities and he doesn't take the traditional position to represent marginalized social groups. He finds his way of representing in referring to absent subjects which are not predetermined by identity or gender leaving room for projected desires. (Lorenz) Queer theorist José Esteban Muñoz states that Félix Gonzáles-Torres doesn't refer to identities but he connotes them. There is no rational understanding or direct knowledge to be deducted from the work. It can't be understood without the question "What is this?". While the naming of Ross in the title refers to an emotional bond, loss, AIDS, love and sex you can see minimal and concept art in the formal approach. In order to examine this link Lorenz uses the term fantasy. With the help of fantasy the candy pieces resembling queer identities can be linked to queer history. It would be a matter of productive fantasy to connote identities rather than to refer to them. Connoted identity doesn't call on fixed categories but rather creates a kind of collective subjectivity that consists of various images, experiences and impressions. The viewer is encouraged to eat the candy and therefore reduces the weight of the work until its threatening disappearance - an analogy to the disappearance of the dying body. By sucking on the candy also a sexual component comes into play - there is more than a visual perception to this work. So the situation of the viewer perceiving the work is the following: A randomly mixed group of candy sucking people with various social affiliations and genders engage individually and collectively with a work composed of many small pieces that's introduced as a gay body. Based on this experience and visual impression they tie their knowledge, their experiences and their images. Lorenz states that this produces a mode of putting oneself in touch with the work. So Untitled (Ross) doesn't intervene in the economics of representation by confronting us with different bodies but by omitting exactly that. From the audience the artist takes away the position of the understanding gaze and asks them to take on a position of empathy - one that moans with him about his loss. (Lorenz)

Strategy 2 - Subversives Potential in fotografischen Arbeiten

According to John Berger the traditional gaze on a female body in western culture is alway a gendered one. The woman is always perceived within a given frame. While men act and look women appear and are looked at. From childhood on the woman has been taught to look at herself. The woman can find power in manipulating the way she is being looked at. She can identify with the male view but at the same time reflect and navigate it. While Berger morally condemns the objectification of the female body in form of a desirable image it can also be seen as a powerful means. Postmodern photographers such as Cindy herman oder Inez van Lamsweerde undermine the use of the female body by explicitly staging it as an image body. Both use the traditional gaze with a twinkling eye and carry it to its logical

Sowohl der parodistische Um-gang mit dem traditionellen Bildrepertoire wie bei Sherman als auch die Verding-lichung des Körpers bis zur letzten logischen Konsequenz wie bei Lamsweerde bedienen sich mit einem zwinkernden Auge des konventionellen Blicks mit dem Ziel, ihn bloßzustellen. Elisabeth Bronfen zufolge muss sich jedes Anschauen und Abbilden der weiblichen Gestalt unwillkürlich mit der traditionellen Ikonografie auseinandersetzen, es kann sie zitieren oder produktiv umwandeln aber nicht eine von den Konventionen des Sehens gelöste eigene Bildsprache entwerfen, dazu sind wir von dem Bildrepertoire zu geprägt. Judith Butler weist in ihrem Buch „Das Unbehagen der Geschlechter“ auf die politische Kraft hin, welche die parodistische Aneignung von kulturellen Vorgaben durch Künstler_innen haben kann.98 In den amerikanischen Kulturwissenschaften hat sich der Begriff des „negotiated reading“ entwickelt, der auf die Brüchigkeit im Verhältnis zwischen Bildbetrachtung, Faszination und Identifikation hinweist. Das heißt, es kann nicht von eindeutigen Bildinhalten ausgegangen werden wie beispielsweise dem, des weiblichen Körpers ausschließlich als Objekt des männlichen Blicks. Weder die Bedeutung von Darstellungen noch die Betrachterpositionen sind festgeschrieben, denn auch der Grad der Vereinnahmung der weiblichen Gestalt im Bild kann durch die Betrachter individuell ausgehandelt werden. Laut Elisabeth Bronfen ließe sich der weibliche Blick auf die Frau eher an der Frage festmachen, ob von Seiten der Fotografin oder der des Betrachtenden eine kritische Hinterfragung der konventionellen Bildformen gegeben ist. Es liegt bei dem/der Betrachtenden inwieweit sie oder er sich auf die Objektivierung des weiblichen Körpers einlässt oder sie als selbstreflexiven Gestus versteht. In erster Linie geht es um das Schulen einen kritischen Blicks, der den Betrachtenden in die Lage versetzt, zu entscheiden, was ein Bild bedeutet und wie es diese Bedeutung herstellt. Denn Menschen konsumieren Bilder unterschiedlich und Bilder können in dem/derselben Betrachter_in widersprüchliche Assoziationen hervorrufen, die immer wieder neu ausgehandelt werden können.99 Auch bei der Inszenierung des entblößten weiblichen Körpers sind die Grenzen zwischen Identifikation und Begehren fließend. Spiegelt sich in dem abgebildeten Körper eine Idealvorstellung oder eine Wunschfantasie der Fotografin? Es bieten sich eine Reihe an Identifikationsmöglichkeiten an: die Fotografin mit ihrem Modell, die/der Betrachtende mit dem Modell oder die/der Betrachtende mit der Fotografin.100 Es gibt viele unterschiedliche Wege, auf den nackten Körper zu blicken. Die Fotografin kann beispielsweise die vollständige Identifikation mit dem Körper der Anderen zum Bildgegenstand machen oder die Brüchigkeit der Identifizierung, beispielsweise durch Verzerrung, thematisieren. Sie kann den traditionellen Blick unkritisch übernehmen oder die Objektwerdung des Modells in Frage stellen. Laut Bronfen liegt jedem gemalten oder fotografieren weiblichen Akt schon immer die Denkfigur zugrunde, dass der weibliche Körper bewacht und kontrolliert werden sollte und er war immer auch der Bildkörper, an dem der Diskurs über das weibliche Geschlecht ausgetragen wurde. Auch kann der weibliche Akt nicht ganz von den ihn definierenden Diskursen über weibliche Sexualität abgekoppelt dargestellt werden. In ihm zeigen sich kulturelle Konventionen und Klischees bezüglich weiblicher Sexualität. Der Körper löst sich vom Subjekt, wird zum Zeichen und bewegt sich zwischen realer Referentialität und reiner Zeichenhaftigkeit. Claude Cahun und Cindy Sherman greifen in ihren Bildern das Konzept der Weiblichkeit als Maskerade, als Verhüllung des dargestellten Selbst auf. In vielen anderen Aktfotografien findet sich die Vorstellung, der nackte Körper sei im Bild immer eine Maskerade, hinter der sich der tatsächlich entblößte Körper versteckt. Die zur Schau gestellten Körperteile sind mit den getragenen Accessoires wie Ketten, Federn oder Korsetts gleichzusetzen. Obwohl ein entkleideter Körper gezeigt wird, nehmen wir ihn als bekleidet wahr. Denn gerade nackte Brüste werden aufgrund ihrer Allgegenwart im traditionellen Bildrepertoire nicht als Zeichen natürlicher Nacktheit gelesen, sondern als Indiz dafür, dass der Körper hier als begehrenswertes Bildobjekt visuell eingesetzt wird. Die Brüste können als Teil des Dekors verstanden werden, das wie Federn, Spitzen Make-up, oder Fell einen Körper als weiblich kodiert erkennen lassen. Diese Formalisierungen der sich dem Blick hingebenden weiblichen Körper verweisen ebenfalls auf Weiblichkeit als kulturelle Konstruktion und Bildkörper.

Bibliography

Körper ohne Körper. Queeres Begehren als Methode, Renate Lorenz

Frauen sehen Frauen, Elisabeth Bronfen